Όταν ο Zohran Mamdani εξελέγη δήμαρχος της Νέας Υόρκης τον περασμένο Νοέμβριο, μεγάλο μέρος του καλλιτεχνικού κόσμου υποδέχτηκε τα νέα με ελπίδα. Το γεγονός ότι η σύζυγός του, Rama Duwaji, είναι και η ίδια καλλιτέχνης ενίσχυσε τις προσδοκίες ότι η νέα διοίκηση θα μπορούσε επιτέλους να ενισχύσει έναν πολιτιστικό τομέα που βοήθησε να γίνει η Νέα Υόρκη αυτό που είναι, αλλά τώρα βρίσκεται ανάμεσα στην ανεξέλεγκτη εξευγενισμό και τις δραστικές περικοπές χρηματοδότησης που επιβάλλει η τρέχουσα ομοσπονδιακή διοίκηση. Χρειάστηκαν μερικοί μήνες, αλλά λίγο πριν από την Ημέρα της Ανεξαρτησίας, ο Mamdani έκανε την πρώτη του σημαντική κίνηση. Στις 2 Ιουλίου, ενέκρινε έναν προϋπολογισμό-ρεκόρ 323,8 εκατομμυρίων δολαρίων για το Υπουργείο Πολιτιστικών Υποθέσεων, έναντι του προηγούμενου ρεκόρ διάθεσης 299,6 εκατομμυρίων δολαρίων. Ο προϋπολογισμός, που διαμορφώθηκε από μήνες διαπραγματεύσεων μεταξύ του Δημοτικού Συμβουλίου και του Γραφείου του Δημάρχου, ξεπέρασε τα 100 εκατομμύρια δολάρια πάνω από αυτό που είχε αρχικά προτείνει το Συμβούλιο στο προκαταρκτικό του σχέδιο για τον προϋπολογισμό του 2027.
Ο συμφωνημένος προϋπολογισμός θεσπίζει επίσης ένα Ταμείο Πολιτιστικής Σταθερότητας, διαθέτοντας 10 εκατομμύρια δολάρια κάθε χρόνο έως το οικονομικό έτος 2029 για την υποστήριξη επιλέξιμων πολιτιστικών οργανισμών που αντιμετωπίζουν απροσδόκητες ή έκτακτες περιστάσεις. Η διαχείριση του ταμείου θα γίνεται από την DCLA.
Σε μια δήλωση στο Hyperallergic, ο Mamdani αποκάλεσε τους καλλιτέχνες και τα πολιτιστικά ιδρύματα της πόλης την καρδιά της Νέας Υόρκης που χτυπά. «Γεμίζουν τους δρόμους, τις σκηνές, τις γκαλερί και τις γειτονιές μας με τέχνη και ιδέες που προσελκύουν ανθρώπους από όλο τον κόσμο», είπε, ενώ αναγνώρισε ότι η συντριπτική κρίση προσιτών προσιτών της πόλης απειλεί να διώξει τους ίδιους τους καλλιτέχνες που έχουν καθορίσει εδώ και καιρό τη ζωή της.
Αυτό είναι το κρίσιμο σημείο. Νωρίτερα φέτος, ο καλλιτέχνης Josh Kline με έδρα τη Νέα Υόρκη έδωσε σε αυτό το τεύχος μια από τις πιο δυνατές πρόσφατες διατυπώσεις του στο δοκίμιο του «New York Real Estate and the Ruin of American Art», που δημοσιεύτηκε στο περιοδικό Οκτώβριος. Το επιχείρημα του Kline δεν είναι απλώς ότι η Νέα Υόρκη έχει γίνει ακριβή, αλλά ότι τα ακίνητα έχουν γίνει μια δομική δύναμη που διαμορφώνει ποιος θα γίνει καλλιτέχνης, τι είδους τέχνη φτιάχνεται, πού μπορεί να προβληθεί και ποιες καριέρες παραμένουν δυνατές. Το έργο ήταν μια ξεκάθαρη εξέταση του πώς η τάξη, τα ακίνητα και οι άρρητοι κανόνες και δυναμική μιας βιομηχανίας τέχνης με επίκεντρο την Αμερική ανάγκασαν ουσιαστικά τους καλλιτέχνες που αναζητούσαν θεσμική ή εμπορική καριέρα να παραμείνουν σε μια από τις πιο ακριβές πόλεις στον κόσμο.
Το πρόβλημα δεν περιορίζεται στη Νέα Υόρκη: από το Λονδίνο και το Παρίσι μέχρι το Μιλάνο, τη Σεούλ και το Τόκιο, το αυξανόμενο κόστος των ακινήτων και η ευρύτερη κρίση του κόστους ζωής, εν μέσω μιας γενετικής και γεωγραφικής αναδιάρθρωσης των ροών κεφαλαίων, είναι κοινές πιέσεις σε κάθε παγκόσμια πόλη όπου έλκονται καλλιτέχνες και δημιουργικοί. Ωστόσο, η Νέα Υόρκη παραμένει ένα κρίσιμο παρατηρητήριο και μελέτη περίπτωσης – όχι μόνο ως ο μεγαλύτερος κόμβος τέχνης στον κόσμο, αλλά κυρίως μέσα στην ευρύτερη θεσμική και πολιτιστική κρίση που εκτυλίσσεται τώρα στις Ηνωμένες Πολιτείες, καθώς η χρηματοδότηση των τεχνών περικόπτεται σε κάθε επίπεδο.
Οι καλλιτέχνες ωθούνται όχι μόνο πιο μακριά από το Μανχάταν και το Μπρούκλιν, αλλά και πιο ψηλά στο Μπρονξ και το Κουίνς. Οι ίδιες οι συνθήκες παραγωγής έχουν γίνει σχεδόν μη βιώσιμες, δεδομένου του κόστους των υλικών και της κατασκευής. Τα εφέ γίνονται ορατά όχι μόνο στις επιλογές ζωής των καλλιτεχνών αλλά και στο ίδιο το έργο: λεπτότεροι προϋπολογισμοί παραγωγής, φθηνότερα ή επαναχρησιμοποιημένα υλικά και πιο αυτοσχέδια κατασκευή έχουν πολλαπλασιαστεί στις πιο σημαντικές και καθοριστικές μπιενάλε της πόλης. Το πρόβλημα δεν αφορά μόνο τους καλλιτέχνες ή την αγορά. Πρόκειται επίσης για ιδρύματα που ολοένα και περισσότερο αδυνατούν να παράσχουν προϋπολογισμούς παραγωγής για το πιο φιλόδοξο έργο που βλέπουμε σε άλλες καλλιτεχνικές σκηνές και μπιενάλε.
Η τρέχουσα αισθητική στη Νέα Υόρκη – όπως στο Λος Άντζελες και σε άλλα μεγάλα κέντρα τέχνης – φαίνεται ήδη να αποκαλύπτει μια ευρύτερη κρίση υποδομής που αντιμετωπίζει σήμερα ο κόσμος της τέχνης, τόσο σε επίπεδο αγοράς όσο και σε θεσμικό επίπεδο. Όταν οι καλλιτέχνες δεν μπορούν να αντέξουν οικονομικά στούντιο, κατασκευαστές, βοηθούς, αποθήκευση, μεταφορά, φροντίδα παιδιών ή απλά ελεύθερο χρόνο, όλος ο δημιουργικός χώρος στενεύει. Η Νέα Υόρκη μπορεί να έχει ακόμα πολλά κορυφαία μουσεία στον κόσμο και τη μεγαλύτερη συγκέντρωση γκαλερί τέχνης και συλλεκτών, αλλά χωρίς τις υλικές συνθήκες που επιτρέπουν στους καλλιτέχνες να πειραματιστούν, κινδυνεύει να γίνει μια φανταστική σκηνή πολιτιστικού κύρους – στην καλύτερη περίπτωση ένας κορυφαίος κόμβος της αγοράς τέχνης, αλλά όχι πλέον μια ζωντανή πολιτιστική μηχανή όπου δημιουργείται, κυκλοφορεί και υποστηρίζεται η σύγχρονη τέχνη. έχουν ήδη αρχίσει να εξαφανίζονται: δείτε, πιο πρόσφατα, τα Canal Projects ή γκαλερί όπως το Lyles & King και το CLEARING πριν από αυτό.
Εκείνη την εποχή, η Επίτροπος του DCLA Diya Vij αναγνώρισε το δοκίμιο του Kline ως χαρτογράφηση «τι διακυβεύεται όταν χάνουμε χώρους όπου οι καλλιτέχνες μπορούν πραγματικά να πειραματιστούν και να αναλάβουν μεγάλα ρίσκα», ενώ σημείωσε ότι ο πληθυσμός των καλλιτεχνών της πόλης μειώθηκε 4,4 τοις εκατό από το 2019 και το μερίδιό του σε επτά δημιουργικές θέσεις εργασίας μειώθηκε. Ένα άρθρο του Dale Berning Sawa στην Art Newspaper, που γράφτηκε ως απάντηση στο δοκίμιο του Kline, ώθησε τη συζήτηση σε μια κρίσιμη κατεύθυνση. Η εγκατάλειψη των ακριβών πόλεων, όπως φαινόταν να προτείνει ο Κλάιν, δεν είναι αυτόματα μια μορφή απελευθέρωσης από τις συνθήκες και τη δυναμική που επιβάλλει ένα παγκόσμιο σύστημα τέχνης που ηγείται ηγεμονικά από το κεφάλαιο. Όσο πιο γεμάτες και ακριβότερες γίνονται οι μεγάλες πόλεις μας, τόσο πιο άδειοι κινδυνεύουν να γίνουν οι θέσεις μεταξύ τους. σε αυτή τη συζήτηση.
Μια πιο χρήσιμη εστίαση είναι πιθανώς ο τρόπος ανοικοδόμησης της αστικής λειτουργίας του πολιτισμού όπου κι αν βρίσκονται καλλιτέχνες και ιδρύματα. Αυτό απαιτεί μια υποδομή οργανισμών, χώρων, πολιτικών και κινήτρων που μπορούν να επανατοποθετήσουν την τέχνη στο επίκεντρο της αστικής πολιτικής για τοπική και κοινοτική ανάπτυξη – όχι ως ψυχαγωγία, αστική διακόσμηση ή ως βοηθητικό στοιχείο του τουριστικού τομέα, αλλά ως πηγή ανάπτυξης ικανοτήτων και, ως εκ τούτου, ως ένας από τους πιο αξιόπιστους μοχλούς καινοτομίας και οικονομικής ανάπτυξης.
Η διερεύνηση νέων μοντέλων συγκέντρωσης κεφαλαίων, παραγωγής και κυκλοφορίας είναι επειγόντως απαραίτητη σε όλη τη σημερινή βιομηχανία τέχνης, καθώς τα παραδοσιακά μοντέλα επιχειρήσεων και διακυβέρνησης έχουν επανειλημμένα αποδειχθεί ανεπαρκή στο σημερινό ταχέως μεταβαλλόμενο κοινωνικό και οικονομικό περιβάλλον. Ορισμένες γκαλερί και ιδρύματα πειραματίζονται ήδη με περισσότερα συνεργατικά δίκτυα κοινών πόρων. Ένα παράδειγμα από την πλευρά του μουσείου είναι το Vanguard Award for Innovative Arts Leaders, που ξεκίνησε πρόσφατα από το Remuseum, μια ανεξάρτητη δεξαμενή σκέψης που δημιουργήθηκε από το Crystal Bridges Museum of American Art στο Bentonville του Αρκάνσας, με επικεφαλής τον Stephen Reily, πρώην διευθυντή του Speed Art Museum στο Κεντάκι. Δημιουργήθηκε σε συνεργασία με το Ίδρυμα Doris Duke, το πρόγραμμα ξεκινά από την αναγνώριση ότι πολλά πολιτιστικά ιδρύματα αντιμετωπίζουν δομική κρίση, από τη μείωση του κοινού και το αυξανόμενο κόστος έως τη μετατόπιση των φιλανθρωπικών προτεραιοτήτων. Ο στόχος του είναι να αντιμετωπίσει τη θεσμική αποστροφή κινδύνου που επισκιάζει πλέον μεγάλο μέρος του πεδίου, παρέχοντας σε επιλεγμένους ηγέτες μια ετήσια διαμονή και μια επιχορήγηση 100.000 $ για την ανάπτυξη ιδεών μέσω ενός προγράμματος επιτάχυνσης 12 μηνών.
Το μοντέλο που υιοθετήθηκε από αυτό το πρόγραμμα υποδεικνύει ήδη κάτι ουσιαστικό: η χρηματοδότηση είναι σημαντική για τα ιδρύματα, αλλά η χρηματοδότηση από μόνη της δεν είναι στρατηγική. Ένα ίδρυμα μπορεί να έχει περισσότερα χρήματα να δαπανήσει και να αποτύχει να βελτιώσει τον αντίκτυπό του χωρίς μια ευρύτερη μακροπρόθεσμη στρατηγική κατεύθυνση ενσωματωμένη στις τοπικές πολιτικές. Ομοίως, μια πόλη μπορεί να επενδύσει περισσότερα στον πολιτισμό και να αποτύχει να δημιουργήσει πραγματικό αντίκτυπο εάν δεν δομεί τις συνθήκες και μια ακριβή μακροπρόθεσμη στρατηγική που επιτρέπουν στον πολιτισμό να γίνει πραγματικός μοχλός της τοπικής ανάπτυξης. Εδώ η συζήτηση πρέπει να προχωρήσει πέρα από την υποστήριξη έκτακτης ανάγκης και τη δημόσια επιχορήγηση, προς μια ευρύτερη αναπτυξιακή πολιτική με γνώμονα τον πολιτισμό.
Η προσέγγιση ικανοτήτων του Amartya Sen προσφέρει ένα χρήσιμο πλαίσιο για την κατανόηση αυτών των δυναμικών. Η ανάπτυξη, κατά την έννοια του Sen, δεν είναι απλώς η συσσώρευση πλούτου ή πόρων, αλλά η επέκταση των πραγματικών ελευθεριών των ανθρώπων. Η πραγματική τους ικανότητα να κάνουν και να γίνονται αυτό που έχουν λόγους να εκτιμούν. και οι κοινότητες έχουν την πραγματική ικανότητα να δημιουργούν, να συμμετέχουν, να συγκεντρώνονται, να οργανώνουν, να μαθαίνουν, να αναλαμβάνουν ρίσκα και να συντηρούν μια ζωή στην πόλη.
Ο Σεν αμφισβήτησε επίσης περίφημα μοντέλα ανάπτυξης που μειώνουν την ευημερία σε εισόδημα ή ΑΕΠ, υποστηρίζοντας ότι οι πόροι έχουν σημασία μόνο στο βαθμό που οι άνθρωποι έχουν την πραγματική ελευθερία και τις προϋποθέσεις να τους μετατρέψουν σε ουσιαστικές μορφές ζωής. Η ίδια λογική ισχύει και για την πολιτιστική πολιτική. Ένας μεγαλύτερος προϋπολογισμός μπορεί να σταθεροποιεί τους θεσμούς, αλλά δεν παράγει αυτόματα καλλιτεχνικό πειραματισμό, συμμετοχή των πολιτών ή δίκαιη πολιτιστική πρόσβαση. Τα θεσμικά όργανα, όπως και ολόκληρες τοπικές κοινότητες, χρειάζονται πόρους και δυνατότητες: εξειδικευμένο ανθρώπινο δυναμικό, υποδομές παραγωγής, διατομεακές συνεργασίες και ένα στρατηγικό πλαίσιο που επιτρέπει στις πρωτοβουλίες αυτές να ενσωματωθούν και να έχουν αντίκτυπο στο ευρύτερο αστικό οικοσύστημα.
Ο Pier Luigi Sacco, ηγετική φωνή στην πολιτιστική οικονομία και πολιτική, υποστηρίζει στο μοντέλο του «Πολιτισμός 3.0» ότι ο πολιτισμός δεν πρέπει να νοείται μόνο ως επιδοτούμενος τομέας ή ως μια δημιουργική-βιομηχανική μηχανή που παράγει οικονομικές αποδόσεις, αλλά ως μια δύναμη σε όλο το σύστημα ικανή να παράγει κοινωνική, πολιτική και οικονομική αξία μέσω της συμμετοχής. Στο μοντέλο του, η διάκριση μεταξύ παραγωγών και κοινού γίνεται λιγότερο άκαμπτη, υποδηλώνοντας μορφές συνδημιουργίας στις οποίες η πολιτιστική συμμετοχή γίνεται μέρος του τρόπου με τον οποίο οι πόλεις χτίζουν δεξιότητες και γνώσεις, καθώς και κοινωνική συνοχή, καινοτομία και ενεργό συμμετοχή στα κοινά.
Με αυτό το πρίσμα, το ερώτημα για τη διοίκηση του Mamdani δεν είναι αν 323,8 εκατομμύρια δολάρια θα είναι αρκετά για να αναζωογονήσουν την πολιτιστική σκηνή της Νέας Υόρκης. Είναι αν αυτά τα κονδύλια αποτελούν μέρος ευρύτερων αστικών πολιτικών που ενσωματώνουν τον πολιτισμό ως βασικό στοιχείο της οικονομικής ανάπτυξης, της ανταγωνιστικότητας, της καινοτομίας και της κοινωνικής ανάπτυξης της πόλης.
Αυτό μπορεί να σημαίνει συντονισμό της χρηματοδότησης του DCLA με τη στέγαση, τη χωροθέτηση ζωνών, την πολιτική κενών χώρων, την ανάπτυξη εργατικού δυναμικού, την εκπαίδευση, τη δημόσια υγεία, την υποστήριξη μικρών επιχειρήσεων και τον σχεδιασμό γειτονιάς. Θα σήμαινε τη δημιουργία μακροχρόνιων μισθώσεων και καταπιστεύσεων γης για στούντιο και μικρούς οργανισμούς. Θα σήμαινε τη χρήση στρατηγικών πολιτιστικών περιοχών όχι για όφελος ακίνητης περιουσίας, αλλά ως γνήσιες ομάδες δημιουργίας ικανοτήτων, όπου οι τοπικές κοινότητες αποκτούν πρόσβαση σε εργαλεία, κατάρτιση, απασχόληση, χώρους συγκέντρωσης και πολιτιστικούς φορείς που μπορούν να ενισχύσουν την ευημερία και να δημιουργήσουν νέες οικονομικές ευκαιρίες.
Άλλες πόλεις το έχουν καταλάβει αυτό, είτε μέσω μακροπρόθεσμου πολιτιστικού σχεδιασμού, είτε μέσω στρατηγικών δημιουργικών περιοχών ή πολιτιστικών υποδομών που υποστηρίζονται από το κράτος που προσπαθούν ενεργά να αποφύγουν τα λάθη του παρελθόντος. Το Άμπου Ντάμπι, η Ντόχα και το Χονγκ Κονγκ, παρά τα πολύ διαφορετικά πολιτικά και αστικά τους πλαίσια, έχουν ήδη αρχίσει να αντιμετωπίζουν τον πολιτισμό ως μέρος μιας ευρύτερης αστικής και οικονομικής στρατηγικής. Τα ευρωπαϊκά προγράμματα πολιτιστικής χρηματοδότησης έχουν επίσης ενσωματώσει με συνέπεια τον πολιτιστικό τομέα σε ευρύτερους κοινωνικούς και οικονομικούς στόχους – ως στρατηγική πηγή κοινωνικής συνοχής, καινοτομίας, αστικής ανάπλασης, εκπαίδευσης, δημοκρατικής συμμετοχής, βιώσιμης ανάπτυξης και ανταγωνιστικότητας.
Αυτό δεν σημαίνει ότι στον προϋπολογισμό του Mamdani λείπουν μέτρα για τη βελτίωση των κοινωνικών και οικονομικών συνθηκών των Νεοϋορκέζων, συμπεριλαμβανομένων των καλλιτεχνών και των πολιτιστικών εργαζομένων. Το ευρύτερο σχέδιο 125,8 δισεκατομμυρίων δολαρίων FY2027 περιλαμβάνει τη μεγαλύτερη μέχρι σήμερα επέκταση των Fair Fares, διευρυμένη πρόσβαση σε κουπόνια στέγασης, ένα νέο πρόγραμμα βοήθειας ενοικίασης 175 εκατομμυρίων δολαρίων για Νεοϋορκέζους που αντιμετωπίζουν έξωση ή έλλειψη στέγης, επενδύσεις σε πάρκα, βιβλιοθήκες, CUNY και βασικές υπηρεσίες και 1.000 $ για κάθε λογαριασμό εξοικονόμησης δημόσιου κολεγίου kindergart. Η διοίκηση προσπαθεί ξεκάθαρα να αντιμετωπίσει την οικονομική προσιτότητα, την κινητικότητα, την εκπαίδευση και τις δημόσιες υποδομές, αλλά ο πολιτισμός εξακολουθεί να αντιμετωπίζεται σε μεγάλο βαθμό ως παράλληλη γραμμή του προϋπολογισμού, ως τομέας προς επιδότηση, παρά ως μέρος μιας συνεκτικής αστικής στρατηγικής.
Ο προϋπολογισμός του δισκογραφικού πολιτισμού του Mamdani είναι επομένως ένα σημαντικό σημάδι ελπίδας, αλλά θα πρέπει να γίνει κατανοητό ως αρχή, όχι ως λύση στη συνεχιζόμενη αιμορραγία που επηρεάζει τη Νέα Υόρκη και το ευρύτερο αμερικανικό οικοσύστημα τέχνης. Η έκτακτη χρηματοδότηση μπορεί να κρατήσει τα ιδρύματα ζωντανά. Δεν μπορεί, από μόνο του, να απαντήσει στο βαθύτερο ερώτημα εάν οι καλλιτέχνες και οι πολιτιστικοί εργαζόμενοι έχουν ακόμα την οικονομική δυνατότητα να ζουν, να εργάζονται και να αναλαμβάνουν ρίσκα στην πόλη – ή αν μπορούν να αναγνωριστούν πλήρως για το ρόλο που μπορούν να παίξουν μέσα σε αυτήν.
Στο τέλος, το δοκίμιο του Κλάιν, η απάντηση του Μπέρνινγκ Σάουα και η πιο χρήσιμη βιβλιογραφία πολιτιστικής πολιτικής που είναι διαθέσιμη σήμερα, όλα καταλήγουν στο ίδιο συμπέρασμα: το μέλλον της τέχνης στη Νέα Υόρκη δεν μπορεί να περιοριστεί στο αν οι καλλιτέχνες μένουν ή φεύγουν ή αν τα ιδρύματα λαμβάνουν περισσότερα ή λιγότερα χρήματα. Το πραγματικό ερώτημα είναι εάν ο πολιτισμός μπορεί να αναγνωριστεί ως ο θεμελιώδης ρόλος του ως εργαλείου οικοδόμησης ικανοτήτων – κάτι που διευρύνει αυτό που μπορούν πραγματικά να κάνουν οι καλλιτέχνες, οι εργαζόμενοι και οι κοινότητες. Το πολιτιστικό σύστημα της Νέας Υόρκης έχει λάβει περισσότερα χρήματα. Τώρα χρειάζεται μια πολιτιστική στρατηγική αρκετά σοβαρή για να κάνει αυτά τα χρήματα σημαντικά και, ελπίζουμε, να διαμορφώσει το επόμενο κεφάλαιο της πόλης.
Περισσότερες πληροφορίες από ειδικούς
