Ήταν ο απόλυτος συνθετικός
Ο David Hockney δεν εμφανίστηκε απλά από το πουθενά σαν κάποιο πλήρως διαμορφωμένο καλλιτεχνικό wunderkind. Το έργο του ήταν μια σύνθεση τόσα πολλά που προηγήθηκαν και συνέβαιναν γύρω του. Πήρε τις ιδέες του μινιμαλισμού και της αφαίρεσης, τις ένωσε με τις παραδόσεις της προσωπογραφίας και τις φιλτράρισε όλες μέσα από τις καινοτομίες στην ποπ και τον εννοιολογισμό που συνέβαιναν στη δεκαετία του 1960. Υπήρξε μεγάλος χρέος σε πολλούς άλλους καλλιτέχνες, αλλά συνέθεσε όλες αυτές τις επιρροές σε κάτι τόσο απλό, άμεσο, εύπεπτο και προσιτό που έγινε κάτι νέο.
Ήταν ένας ήρωας της εργατικής τάξης
Τα αγόρια της εργατικής τάξης από το Μπράντφορντ δεν πήγαιναν σε σχολή τέχνης. Απλώς δεν ήταν αυτό που έγινε. Αυτό ήταν για άλλους ανθρώπους. Αλλά ο Χόκνεϊ γεννήθηκε για να ανατρέψει τις προσδοκίες. Είπε στον Guardian το 2015: «Όταν πήγα σε σχολή τέχνης, ένας γείτονας είπε: «Μερικοί από τους ανθρώπους στο σχολείο τέχνης απλώς δεν εργάζονται καθόλου. Lazy buggers». Και είπα, «Ω, θα πάω να δουλέψω, μην ανησυχείς.» Και το έκανε, ασταμάτητα, ασταμάτητα, μέχρι το τέλος.
Άλλαξε τον τρόπο με τον οποίο βλέπουμε την προοπτική
Ο Χόκνεϊ είδε την παραδοσιακή προοπτική – με όλες τις γραμμές που οδηγούν σε ένα ενιαίο, μακρινό σημείο εξαφάνισης – όχι απλώς αναγωγική και βαρετή, αλλά εντελώς μη ρεαλιστική. Δεν βλέπουμε τον κόσμο παγωμένο και στατικό, σκέφτηκε, το όραμά μας είναι δυναμικό, συνεχώς μεταβαλλόμενο. Η αντίστροφη προοπτική ήταν η λύση του: μετατόπισε το σημείο φυγής, βάζοντάς το πίσω από τον θεατή ή χωρίζοντάς το σε πολλές κατευθύνσεις. Το αποτέλεσμα είναι μερικές φορές ιλιγγιώδες, παράξενο και ανησυχητικό, αλλά πολύ πιο κοντά στην αλήθεια για το πώς βλέπουμε τον κόσμο.
Γεφύρωσε το χάσμα μεταξύ φωτογραφίας και ζωγραφικής
Η φωτογραφία ήταν κεντρική στην πρακτική του Hockney για δεκαετίες. Τα πιο πρόσφατα χρόνια, ενσωμάτωσε φωτογραφίες απευθείας στους πίνακές του, αλλά η καλύτερη δουλειά του με το μέσο ήταν τα κολάζ του, όπου έπαιρνε πολλά στιγμιότυπα του ίδιου πράγματος από πολλές γωνίες (συχνά με Polaroid), δημιουργώντας καλειδοσκοπικά οράματα του κόσμου γύρω του. Οι φωτογραφίες τροφοδοτούσαν το πώς ζωγράφιζε και το πώς ζωγράφιζε τροφοδοτούσαν τη φωτογραφία του. Τα δύο μέντιουμ, στο τέλος, σχεδόν έγιναν το ίδιο πράγμα.
Έκανε το τοπίο μνημειακό
Το Γιορκσάιρ έγινε η μούσα του Χόκνεϊ στα μέσα της δεκαετίας του 2000 και επέστρεψε επανειλημμένα στους κυματιστούς λόφους γύρω από το Μπρίντλινγκτον. Το 2007, το δάσος στο Woldgate τον ενέπνευσε να ωθήσει την ιδέα του τοπίου στο απόλυτο άκρο της – ήθελε να ζωγραφίσει την ύπαιθρο σε μια κλίμακα που επιφυλάσσονταν από μεγάλα, σημαντικά θέματα της τέχνης: ιστορία, σκηνές από τη Βίβλο, εθνική απελευθέρωση. Οι πίνακες που προέκυψαν ήταν μια τεράστια, καινοτόμος, σχεδόν συγκλονιστική προσπάθεια για την ανύψωση των καθημερινών επιπέδων.
Ήταν τεχνολογικός καινοτόμος
Δεν ήταν ντροπαλός για την υιοθέτηση της νέας τεχνολογίας και στα τελευταία του χρόνια άρχισε να ασχολείται με το iPad με εγκατάλειψη. Το να ζωγραφίζει απευθείας χρησιμοποιώντας μια ψηφιακή γραφίδα ή το δάχτυλό του του επέτρεψε να είναι άμεσος και άμεσος. Πολλοί κριτικοί μισούσαν τα έργα του iPad, αποδοκιμάζοντας την «απώλεια του χεριού του καλλιτέχνη» ή τα περιγράφουν ως «αδικαιολόγητα ακατάστατα», αλλά το απίστευτο είναι ότι ακόμη και σε αυτό το νέο, ψηφιακό, παράξενο μέσο, τα έργα του είναι άμεσα αναγνωρίσιμα. Δεν έχει σημασία αν είναι iPad – εξακολουθεί να μοιάζει με το Hockney.
Καθόρισε τον τρόπο που βλέπουμε το Λος Άντζελες
Χρειάστηκε ένα αγόρι από το βαθύτερο Δυτικό Γιορκσάιρ για να απαθανατίσει πραγματικά την ηλιόλουστη, υγρή ομορφιά του Λος Άντζελες. Ο Χόκνεϊ μετακόμισε στην Καλιφόρνια το 1964 και πέρασε τις επόμενες δεκαετίες δημιουργώντας υπερ-στυλ, εξαιρετικά δροσερά οράματα ζωής ανάμεσα στους φοίνικες, τις πισίνες και την αρχιτεκτονική PoMo του Χόλιγουντ και των περιχώρων του. Όταν σκεφτόμαστε το LA και πώς φαίνεται, το βλέπουμε μέσα από το φακό του Hockney.
Τα πορτρέτα του έκαναν τα αστέρια να φαίνονται ανθρώπινα
Το πορτραίτο ήταν στην καρδιά της τέχνης του Χόκνεϊ από την αρχή. Οι εικόνες της μητέρας του είναι τρυφερές και λατρευτικές, τα πορτρέτα των ερωτευμένων είναι οικεία και γλυκά. Δεν είχε σημασία αν ζωγράφιζε έναν Ρότσιλντ ή τον ξάδερφό του, έναν ποπ σταρ ή έναν βοηθό στο στούντιο, αντιμετώπιζε όλους με την ίδια χάρη. Στο τέλος, μερικά από τα πορτρέτα έγιναν αρκετά αποσπασματικά και κηλιδωμένα, αλλά αυτό που δεν έχασε ποτέ ήταν η ικανότητά του να μεταδίδει την απόλυτη αγάπη του για τη ζωγραφική και τους καθιστούς του.
Ήταν ένας καθηλωτικός πρωτοπόρος
Η καθηλωτική τέχνη έγινε το trend du jour σε όλα τα μεγάλα μουσεία στις αρχές της δεκαετίας του 2020 και ο Χόκνεϊ δεν έμελλε να μείνει πίσω. Ανέλαβε τον χώρο Lightroom του Λονδίνου με το Bigger & Closer (όχι μικρότερο & πιο μακριά) το 2025, εν μέρει αυτοβιογραφικό ντοκιμαντέρ, εν μέρει ψηφιακή έκθεση τέχνης. Ακριβώς όπως με τα Polaroid και τα iPad, ο Χόκνεϊ είδε τη δυνατότητα της νέας τεχνολογίας να αλλάξει την οπτική γωνία και να αλλάξει πόσο κοντά θα μπορούσαν να έρθουν οι θεατές με την τέχνη.
Αγκάλιασε το θέατρο και την όπερα
Η εξαιρετικά απλή, τολμηρή, πολύχρωμη αισθητική του Hockney προσφέρθηκε τέλεια στη σκηνή. Σχεδίασε το σκηνικό για μια παραγωγή του Ubu Roi στο θέατρο Royal Court του Λονδίνου το 1966 και επέστρεψε στο θέατρο και το σχέδιο όπερας επανειλημμένα σε όλη τη διάρκεια της καριέρας του, δουλεύοντας σε παραγωγές του Tristan und Isolde, του Turandot και του Magic Flute μεταξύ πολλών άλλων, γεμάτες με πίνακές του που ζωντανεύουν, με την υπογραφή του ανάποδη οπτική φέρνοντας την καρδιά του θεατή.
Γιόρτασε την κέρατα του
Τα πρώτα έργα του Χόκνεϊ ήταν γεμάτα με σαρκικές, λιβιδινικές εικόνες: τεράστιοι φαλλοί, σώματα αλληλένδετα. Ήταν πολύ περίεργα πράγματα, και αυτό ήταν ένα γενναίο πράγμα για έναν νεαρό γκέι καλλιτέχνη που έκανε στη δεκαετία του 1960, ακόμη και στο swinging Λονδίνο. Η σεξουαλικότητα του Χόκνεϊ ήταν πάντα κεντρική στη δουλειά του και αυτό βοήθησε να ανοίξει ο δρόμος για πολλούς άλλους ομοφυλόφιλους καλλιτέχνες να αισθάνονται ελεύθεροι να εκφραστούν επίσης.
