Αξιολόγηση τριών εκθέσεων σύγχρονης ισραηλινής τέχνης | The Jerusalem Post

Για πολλούς, το καλοκαίρι είναι μια εποχή για ταξίδια και ανακαλύψεις. Ενθαρρύνω τους αναγνώστες αυτής της στήλης να επισκεφτούν γκαλερί και μουσεία και να βυθιστούν στην τέχνη ενώ ταξιδεύουν στο Ισραήλ. Οι ντόπιοι καλλιτέχνες έχουν τόσα πολλά να προσφέρουν.

Καλλιτέχνες που χτίζουν μια εμπειρία και περικλείουν τον χώρο, είτε με θεατρικές δομές φωτός που έχουν καταλάβει ολόκληρη την περιοχή του μουσείου, είτε με μια οικεία, πολύ συγκινητική εγκατάσταση, σε ένα μόνο μικρό δωμάτιο. Μίλησα επίσης με έναν καλλιτέχνη που ζωγραφίζει επιπλέον χώρο σε καμβά, προσθέτοντας συμβολικά γραμμές, σαν να ήταν μια άλλη αλήθεια.

Αυτοί οι τρεις καλλιτέχνες συμφώνησαν να απαντήσουν στις τρεις ερωτήσεις μου:

Τι σας εμπνέει; Τι ονομάζετε τέχνη; Τι κάνει, κατά τη γνώμη σας, το έργο τέχνης σας διαφορετικό από αυτό των άλλων καλλιτεχνών;

Η Fromchenko σπούδασε ζωγραφική στο Kalisher School of Arts στο Τελ Αβίβ (1969-1971), και στη συνέχεια ιστορία τέχνης, κινηματογράφο και τηλεόραση στο Πανεπιστήμιο του Τελ Αβίβ, αποφοίτησε με πτυχίο το 1976. Τα έργα της βρίσκονται σε πολλές ιδιωτικές συλλογές και στο Μουσείο Τέχνης Petah Tikva. Έχει εκτεθεί ευρέως σε ατομικές και ομαδικές εκθέσεις στο Ισραήλ και στο εξωτερικό.

Η δουλειά της περιλαμβάνει ζωγραφική, φωτογραφία, βίντεο και εγκαταστάσεις για συγκεκριμένες τοποθεσίες. Εξερευνά τη μνήμη, την ταυτότητα και την ανθρώπινη κατάσταση, μετατρέποντας σύνθετα κοινωνικά ζητήματα σε πολυεπίπεδες οπτικές εμπειρίες. Ο καλλιτέχνης δείχνει σύγχρονες κοινωνικές και πολιτικές πραγματικότητες μέσα από εικαστικές αφηγήσεις.

Η Fromchenko φαίνεται να αφαιρεί αντικείμενα από το αρχικό τους πλαίσιο και να τα εμποτίζει με νέο, ποιητικό νόημα, όπως στην περίπτωση της τελευταίας της έκθεσης, The Wishing Well, που εκτίθεται στο Μουσείο Τέχνης Negev στην Beersheba.

Το Wishing Well, ένα έργο για συγκεκριμένο χώρο, συνδυάζει βίντεο, ήχο και γλυπτική. Όταν συναντηθήκαμε στο μουσείο, ο Φρομτσένκο μου είπε ότι αυτό το έργο, παρά το γεγονός ότι έχει τις ρίζες του στις βιβλικές παραδόσεις και είναι σωματικά στη Beersheba, δεν συνδέεται με το βιβλικό πηγάδι του Αβραάμ. [there].

Το βίντεο τοποθετείται στο πάτωμα του μουσείου ανάμεσα σε πέτρες στις οποίες μπορούν να καθίσουν οι επισκέπτες, σε ένα μικρό, σκοτεινό δωμάτιο, πίσω από μια μαύρη κουρτίνα, όπου τα φώτα αλλάζουν και ο ήχος του νερού δημιουργεί την εντύπωση ενός αυθεντικού πηγαδιού, αλλά είναι μια ψευδαίσθηση. Ο ήχος του νερού που ανεβοκατεβαίνει, σε ρυθμό με την αναπνοή, είναι σχεδόν διαλογιστικός.

Εκτός από τον ήχο του νερού, απαγγέλλεται επίσης, ψιθυριστή ποίηση με την επαναλαμβανόμενη γραμμή: «Δεν μπορείς να δεις το νερό / μέσα από το νερό». Ο Fromchenko δημιούργησε έναν πολύ συγκινητικό και οικείο χώρο.

Έμπνευση: Η έμπνευσή μου προκύπτει από έναν διάλογο με την πραγματικότητα. Ξεκινά με ένα φαινόμενο ή μια φιγούρα που με αναγκάζει να απαντήσω, μετατρέποντάς το μέσα από την καλλιτεχνική δράση σε διάλογο με τον θεατή.

Η καλλιτεχνική μου πρακτική είναι να μεταφέρω μια εμπειρία που πυροδοτεί μια αλυσίδα απαντήσεων γύρω από εννοιολογικά θέματα, δημιουργώντας μια συνεχή συζήτηση με το κοινό. Επίσης αντλώ έμπνευση από τη λογοτεχνία και την ποίηση.

Έννοια της τέχνης: Για μένα, η τέχνη είναι η εξάχνωση της πραγματικότητας, τόσο για τον καλλιτέχνη όσο και για τον θεατή. Είναι μια γλώσσα πέρα ​​από τη γλώσσα – ένα μέσο σύνδεσης ανθρώπων.

Ο διάλογος που εκτυλίσσεται ανάμεσα στον θεατή και το έργο τέχνης δημιουργεί τη μεταφυσική διάσταση του κομματιού. Όσο πιο πλούσιος και ουσιαστικός γίνεται αυτός ο διάλογος, τόσο πιο ισχυρή είναι η μεταφυσική παρουσία του έργου.

Η τέχνη του Fromchenko: Επειδή η πρακτική μου είναι εννοιολογική, το θέμα αλλάζει από το ένα έργο στο άλλο, και μαζί του η τεχνική και το καλλιτεχνικό μέσο. Έτσι εκφράζεται η διεπιστημονική μου προσέγγιση μέσα από τη ζωγραφική, τη γλυπτική, τη φωτογραφία, το βίντεο και τη γραφή.

Σε ένα άλλο έργο, φωτογράφισα το εσωτερικό εγκαταλελειμμένων κυψελών και μετέτρεψα τις εικόνες σε καθηλωτικές εγκαταστάσεις βίντεο, προσκαλώντας τους θεατές να βιώσουν την αίσθηση της εισόδου σε μια γιγάντια κυψέλη.

Στην τρέχουσα δουλειά μου, The Wishing Well, που προέκυψε από έναν εσωτερικό διάλογο για το πώς να βγω μόνος μου από ένα σκοτεινό λάκκο, κατασκεύασα το χείλος ενός πραγματικού πηγαδιού και δημιούργησα ένα βίντεο με το νερό να ανεβαίνει και να πέφτει αργά μέσα σε αυτό, συνοδευόμενο από τον ήχο προσευχών, ικεσιών και τραγουδιών.

Ως βαθύς και κρυμμένος χώρος, το πηγάδι μπορεί να γίνει ένας λάκκος πτώσης, παγίδευσης και θανάτου, ενώ ταυτόχρονα αντιπροσωπεύει ένα εσωτερικό βασίλειο της μνήμης, το υποσυνείδητο και τα κρυμμένα στρώματα της ψυχής. Αυτή η δυαδικότητα βρίσκεται στην καρδιά του έργου. Σε πολλούς πολιτισμούς, η ιδέα του «ευχητικού πηγαδιού» επαναλαμβάνεται ως μια μεταφυσική πύλη ελπίδας, πίστης και γοητείας – ένα μέρος όπου οι άνθρωποι ρίχνουν τις λαχταρίες και τις προσευχές τους πέρα ​​από το ορατό και το παρόν.

Γεννημένος το 1982 στο Ramat Gan και σήμερα με έδρα το Tel Aviv-Jaffa, ο Omer Sheizaf είναι κάτοχος πτυχίου Λογοτεχνίας και Φιλοσοφίας από το Πανεπιστήμιο του Τελ Αβίβ (2012) και MFA από την Ακαδημία Τεχνών και Σχεδίου Bezalel (2018). Είναι ένας πολυεπιστημονικός καλλιτέχνης με εξειδίκευση στο σχεδιασμό φωτισμού, που του έχει κερδίσει διεθνή αναγνώριση.

Έχει σχεδιάσει για το LA Dance Project, το Batsheva Dance Company και άλλους. Μεταξύ των πολυάριθμων βραβείων του, κέρδισε το 2009 το Israel Fringe Award για τον καλύτερο φωτισμό. Ο Σεϊζάφ διδάσκει στη Σχολή Εικαστικού Θεάτρου στην Ιερουσαλήμ.

Τα έργα τέχνης του έχουν εκτεθεί σε διάφορα μουσεία και γκαλερί, όπως το Μουσείο Τέχνης του Τελ Αβίβ, το Κέντρο Ψηφιακής Τέχνης Holon, το Muza και άλλα. Μέσω της γλυπτικής, της εγκατάστασης και της οπτικοακουστικής παράστασης, ο Sheizaf διερευνά τη σχέση μεταξύ των παραστατικών και των περιβαλλοντικών περιοχών.

Στην έκθεση Redden, που άνοιξε αυτό το μήνα στο Μουσείο Τέχνης Bat Yam, την εγκατάσταση που σχεδιάστηκε ειδικά για το μουσείο, η Sheizaf δημιούργησε φωτισμό μεγάλης κλίμακας στην κυκλική οροφή και στους θεατρικούς χώρους στον επάνω όροφο, συμπεριλαμβανομένης μιας αποσυναρμολογημένης μοτοσικλέτας και διοράματα με αστικό θέμα.

Στα μάτια μου, ο καλλιτέχνης μετατρέπει τον εκθεσιακό χώρο σε μια σκηνή όπου το φως, ο ήχος και η γλυπτική παίζουν ίσους ρόλους και οι επισκέπτες γίνονται επιπλέον ηθοποιοί στην παράσταση, ο καθένας με τον δικό του μοναδικό τρόπο. Σε αυτή την παράσταση, ο Sheizaf δημιουργεί μια εναλλακτική πραγματικότητα που παραπέμπει επίσης στο παιχνίδι με τις λέξεις στο εβραϊκό όνομα της έκθεσης, Maadim, το οποίο μπορεί να μεταφραστεί στα αγγλικά ως «γίνομαι κόκκινος» και «Άρης».

Κατά τη διάρκεια της συζήτησής μας, ο Shaizaf εξήγησε ότι δεν τον ενδιαφέρουν οι πλανήτες ή η παρατήρηση του ουρανού όσο ενδιαφέρεται για τη δυνατότητα ενός εναλλακτικού τόπου για τους πρόσφυγες, για την ανθρωπότητα. Μπαίνοντας στο Redden, παίρνουμε μια γεύση, σίγουρα.

Έμπνευση: Βρίσκω την έμπνευσή μου στην παρατήρηση διαφορετικών στοιχείων του αστικού τοπίου. Αυτό έκανα τα περισσότερα από τα παιδικά μου χρόνια, και από πολλές απόψεις, δεν έχουν αλλάξει πολλά από τότε. Μεγάλωσα ανάμεσα στους γκρίζους δρόμους του Ραμάτ Γκαν, περιπλανώμενος αναζητώντας κάτι ενδιαφέρον ή φαντάζομαι μακρινούς κόσμους.

Μερικές φορές ανακάλυπτα ένα παλιό γλυπτό εγκαταλελειμμένο σε ένα σωρό σκουπίδια, ένα παράξενο φως που περνούσε από ένα παράθυρο ή ένα παραμελημένο κατάστημα ηλεκτρονικών που πουλούσε δίσκους. Αυτές ήταν οι στιγμές ενθουσιασμού μου.

Έννοια της τέχνης: Τέχνη είναι η ικανότητα του κάτι να γίνεται νέο, να γίνεται διαφορετικό, να ανοίγει ένα νέο μονοπάτι που δεν ακολουθεί ένα προκαθορισμένο σχέδιο. Είναι ουσιαστικά μια φιλελεύθερη δύναμη, μια δύναμη που μας απελευθερώνει από παλιές δομές και σταθερές προοπτικές. Η τέχνη καθαρίζει το μυαλό όταν παγιδεύεται μέσα σε μοτίβα που έχουν παραμείνει αναλλοίωτα για πάρα πολύ καιρό.

Είναι το αντίθετο του κλισέ και το αντίθετο του συντηρητισμού. Είναι πιο κοντά στην τρέλα παρά στον πολιτισμό, και στην προέλευση και των δύο.

Το έργο τέχνης δεν είναι μόνο το αντικείμενο, αλλά ολόκληρη η κατάσταση γύρω από αυτό: η ατμόσφαιρα, η κίνηση, ο ήχος, το φως και η εμπειρία που ξεδιπλώνεται μπροστά στον θεατή.

Η τέχνη του Sheizaf: Δουλεύω με φως, ήχο και εφέ που προέρχονται από τον κόσμο του θεάτρου. Πιστεύω ότι η σύνδεση του θεάτρου, της γλυπτικής και της εγκατάστασης είναι κεντρικό στοιχείο στη δουλειά μου. Οι εγκαταστάσεις μου περιέχουν δραματουργία και αίσθηση του χρόνου. ξεδιπλώνονται μέσα από ακολουθίες και μεταμορφώσεις.

Ήρθα στην εικαστική τέχνη μέσα από το θέατρο. Μεγάλωσα στη σκηνή και γύρω από αυτήν. Έμαθα πώς να δένω σχοινιά και υφάσματα, να σκαρφαλώνω σε ψηλές ξύλινες κατασκευές και να απελευθερώνω κρυφούς μηχανισμούς την ακριβή στιγμή που απαιτείται σε μια παράσταση. Φέρνω αυτή τη γνώση στη γλυπτική μου πρακτική. Το υλικό μου είναι το ίδιο το αποτέλεσμα και χτίζεται από την προσωπική μου ιστορία, από τα πράγματα που με γοήτευσαν σε όλη μου τη ζωή και από τον τόπο από τον οποίο κατάγομαι.

Με ενδιαφέρουν βαθύτατα τα θεατρικά εφέ και οι παλιές μορφές μαγείας. Η αισθητική της δουλειάς μου συχνά αντλείται από κόσμους ψευδαίσθησης και αρχαίου μυστικισμού, ένα είδος κοσμικού μυστικισμού που υπάρχει μέσα στη θεατρική σφαίρα.

εγώ [also] προέρχονται από μια εναλλακτική κουλτούρα και πιστεύω ότι οι κόσμοι και οι χαρακτήρες που αναδύονται στο έργο μου έχουν, από πολλές απόψεις, τις ρίζες τους σε αυτά τα μέρη. Οι κόσμοι του σκότους, της ετερότητας και της παραξενιάς συνδέονται με έναν παραμορφωμένο, ατελές και αντισυμβατικό ήχο.

Ο Tali Navon, ζωγράφος, καλλιτέχνης βίντεο και εγκαταστάσεων, γεννήθηκε στο Givatayim το 1964 και ζει και εργάζεται στο Τελ Αβίβ. Σπούδασε υφαντουργία στο Shenkar College of Engineering and Design (1991), καλές τέχνες στο Kalisher School of Art (1995) και κινηματογράφο στο Πανεπιστήμιο του Τελ Αβίβ (2000).

Η δουλειά της έχει παρουσιαστεί σε ατομικές και ομαδικές εκθέσεις στο εξωτερικό και στο Ισραήλ, όπως στο Μουσείο του Ισραήλ, στο Μουσείο Petah Tikva, στο Μουσείο Ashdod, στο Μουσείο της Χάιφα, στο Μουσείο Beit Reuven, στο Μουσείο Mana Katz και στο Wilfrid Israel Museum of Asian Art and Studies στο Hazorei.

Τα βίντεο της έχουν παρουσιαστεί στο Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Ιερουσαλήμ, στο Middlebury College στο Βερμόντ, στο Total Museum of Contemporary Art στη Σεούλ και σε άλλους χώρους τέχνης σε όλο τον κόσμο.

Έχει κερδίσει την αναγνώριση για τη διεπιστημονική της εξερεύνηση τοπικών και παγκόσμιων πολιτιστικών φαινομένων και ιστορικών αφηγήσεων. Το Navon εξερευνά θέματα του σύγχρονου πολιτισμού, του πολεοδομικού σχεδιασμού, της ταυτότητας, της μητρότητας και της ευθραυστότητας και της αθωότητας της παιδικής ηλικίας. Ενσωματώνει στοιχεία σχεδίου στους μινιμαλιστικούς πίνακές της, τα οποία συχνά δεν διακρίνονται από τα σχέδια.

Στην τελευταία της έκθεση, Study Room, που άνοιξε πρόσφατα στην Πινακοθήκη Rothschild στο Τελ Αβίβ, η καλλιτέχνης εξερευνά τους χώρους εργασίας ως τόπους δημιουργίας.

Τα έργα δημιουργούνται σε μια συντηρητική χρωματική παλέτα, αλλά ασυνήθιστα, όπως εξήγησε η Navon, η ζωγραφική σε επίπεδο καμβά (όχι όρθιο ή κρεμασμένο) της επιτρέπει να προσθέσει περισσότερο νερό στις λαδομπογιές, να αραιώσει το χρώμα, να το διεισδύσει και να του δώσει ένα εφέ ακουαρέλας.

Αυτό που τράβηξε την προσοχή μου ήταν αντικείμενα – απλώς τα περιγράμματα τους, ζωγραφισμένα σε λευκές γραμμές, όπως προστέθηκαν πάνω στον πίνακα. Μου είπε ότι είναι, κατά μία έννοια, μεταφυσικά· η καλλιτέχνις εξερευνά το μέλλον του βιβλίου όταν δεν μπορούμε πλέον να το αγγίξουμε.

Στο Study Room, το Navon δείχνει επίσης μια σειρά που ονομάζεται Readers, 10 μικρά έργα λαδιού σε γυαλί. Και πάλι, η τεχνική που χρησιμοποιεί ο καλλιτέχνης θυμίζει, στην πραγματικότητα, ακουαρέλες. «Η επιλογή της τεχνικής είναι θέμα συναισθήματος», σημείωσε ο Navon.

Η έκθεση παρακολουθεί την πράξη της ζωγραφικής και της γραφής για να προτείνει έναν παραλληλισμό μεταξύ τους. Η καλλιτέχνης, η οποία τοποθέτησε επίσης την καρέκλα και το τραπέζι της στη γκαλερί, προσκαλεί τους θεατές στον πολύ οικείο δημιουργικό της κόσμο.

Έμπνευση: Μου αρέσει να παρατηρώ και να κοιτάζω το περιβάλλον μου. Αγαπώ την ανθρωπιά και αναρωτιέμαι για την ανθρώπινη κατάσταση. Τι εμπνέει τους ανθρώπους να δράσουν μέσα σε μια υπάρχουσα πραγματικότητα; Μου αρέσει επίσης να εξετάζω το παρελθόν και να το τοποθετώ στο παρόν: τι έχει αλλάξει και τι θα παραμείνει πάντα ίδιο.

Πολλές δουλειές μου βασίζονται σε αρχειακά αντικείμενα, ημερολόγια και αρχειακές ταινίες. Αντιμετωπίζω τα αρχεία όχι ως ένα στατικό νεκροταφείο γεγονότων, αλλά ως ένα ζωντανό αρχείο, όπως η περιφερειακή ιστορία του [for example] Petah Tikva, το λογοτεχνικό και πολιτιστικό βάρος του Beit Bialik, ή η βαθιά προσωπική, ανθρωπιστική κληρονομιά που βρίσκεται στα ημερολόγια του Wilfrid Israel στο Μουσείο Wilfrid [solo exhibition there in 2025].

Έννοια της τέχνης: ονομάζω τέχνη [what] έργα που σε βάζουν σε σκέψεις. Αυτό οδηγεί σε ένα θέμα, που εγείρει ερωτηματικά, που αναρωτιέται και ερευνά. Αν αναλογιστώ τον κόσμο της τέχνης, βρίσκω πολλή αποκαλυπτική τέχνη. Νομίζω ότι είναι πιο δύσκολο να δημιουργείς τέχνη που προσφέρει λύσεις για υπάρχουσες καταστάσεις, που σηματοδοτεί ένα μέλλον που μπορεί να υπάρξει. Τέχνη που τολμά να χτίσει ένα απτό, εναλλακτικό μέλλον. Αυτό απαιτεί ένα εντελώς διαφορετικό επίπεδο αυστηρής πνευματικής και δημιουργικής άρσης βαρέων βαρών.

Η τέχνη του Navon: Δημιουργώ μέσα στον δικό μου κόσμο. Η πίστη στον εαυτό μου είναι πολύ σημαντική για μένα. Γνωρίζω ότι η παρόρμηση για δημιουργία είναι εγγενής μέσα μου και δεν μπορώ ποτέ να πω στον εαυτό μου να σταματήσει. Είμαι πολύ πιστός στον εαυτό μου και η τέχνη που κάνω είμαι εγώ. Η τέχνη μου είναι μέρος της ταυτότητάς μου. Είναι ιδιωτικό καταφύγιο. Στην πραγματικότητα είμαι ο μοναδικός αρχιτέκτονας αυτού του κόσμου και τον κρατάω εξ ολοκλήρου δικό μου.

Εισάγοντας τις δικές μου εντυπώσεις, ερμηνείες και σύγχρονα τεχνουργήματα στο μείγμα, δημιουργώ έναν διάλογο [with archives]. Δίνω φωνή στα σιωπηλά διαστήματα ανάμεσα στους επίσημους δίσκους. Το νέο μου αρχείο γίνεται μια υποκειμενική, βαθιά ανθρώπινη απάντηση σε μια αντικειμενική ιστορία.